Cómo la imitación y la cultura pop se combinan con las bellas artes
Desde sus orígenes, el arte ha sido un método utilizado por el ser humano para materializar ideas, mensajes y símbolos. La inspiración, la genialidad y la creatividad siempre se han considerado cualidades que han permitido al hombre actuar a nivel simbólico, plasmando la realidad que le rodea de forma abstracta a través del arte y la cultura. Es una capacidad intrínseca del ser humano expresar sus ideas a través de un medio visual.
En la forma común de pensar sobre el arte, se acostumbra a oponer dos conceptos principales: el arte como creación y el arte como imitación. Quien habla del arte como creación subraya la absoluta libertad del artista, que no tiene reglas fijas que seguir ni sabe subordinarlas a su propia voluntad e inventiva, a su propio genio y a su propia inspiración. En cambio, quien habla del arte como imitación subraya la dependencia del arte respecto a la naturaleza o la realidad en general.
En el pasado, los artistas solían representar santos, gobernantes y paisajes en sus obras, pero luego el arte empezó a inspirarse en la gente corriente, los cómics, los carteles publicitarios e incluso los productos de supermercado.
La búsqueda de las bellas artes
El encaprichamiento de la cultura pop estadounidense con Asia y cómo afecta al mercado
En el mundo del arte, a partir de finales del siglo XIX, la imitación pasa a un segundo plano: los protagonistas de las obras son los propios artistas, sus emociones y su forma de ver el mundo y representarlo en el arte.
Así nacieron las vanguardias: la actividad artística de las vanguardias se desarrolló internacionalmente y atravesó todas las artes (pintura, teatro, música, cine y literatura) con estrechos vínculos entre unas artes y otras.
Cada vanguardia está vinculada a temas muy concretos, firmemente unidos a la cultura, a la dinámica de su tiempo: las obras de arte se convierten en un espejo de la sociedad.
El fin de las vanguardias, considerado brevemente, coincide con el de la gran historia. Más concretamente, está ligado al nacimiento de una metodología del arte que ha abandonado el imperativo de la originalidad, en el sentido de un origen radical, y ha dejado de concebirse a sí misma como la búsqueda incondicional de fines que van más allá de los códigos al uso, ya sean códigos artísticos o convenciones sociales e intelectuales.
En Estados Unidos, sobre las ruinas morales y humanas de la Segunda Guerra Mundial, se configuró a finales de los años cincuenta una sociedad que veía en la producción masiva de bienes de consumo y en las modernas tecnologías domésticas un signo evidente de progreso[1].
En 1951, el sociólogo canadiense Marshall McLuhan[2] publicó La Galaxia Gutenberg[3], un libro que anticipaba la revolución en el campo de las comunicaciones electrónicas: la fotografía, el cine, y luego la televisión y los ordenadores amenazarían cada vez más el papel exclusivo de los artistas como creadores de imágenes.
Sobre sendas consideraciones sociológicas destinadas a causar sensación durante más de una década, en 1954 el crítico inglés Lawrence Alloway[4], reflexionando sobre el valor de las imágenes en la sociedad de masas, acuñó el término: pop art (donde pop significa popular)[5].
Estas son más o menos las connotaciones que se darán a esta nueva estética naciente: fácil, transitoria, sugerente, comercial y masificada.
La cultura pop es un tipo de cultura característica de las sociedades que han entrado en la etapa del consumo de masas. Se caracteriza por la acción de influencia que ejercen sobre ella los medios de comunicación de masas. Es un tipo de cultura que también influye en la economía de una sociedad determinada. De hecho, se difunde a través de las leyes del libre mercado. Las ideas y los conceptos más importantes se difunden a través de los periódicos, el cine y, sobre todo, la televisión: en la cultura de masas existe un vínculo muy estrecho entre las influencias de la televisión y el consumo[6]. Así pues, gran parte de la población orienta sus gastos precisamente según las reglas dictadas implícitamente por los medios de comunicación de masas. De ahí que los medios de comunicación de masas ejerzan un férreo control sobre la propia sociedad.
Una de las grandes figuras de la cultura de masas estadounidense es sin duda Andy Warhol[7]: revolucionó el arte y el concepto mismo del gesto artístico, y lo hizo a través de la "banalidad" de la vida cotidiana, la cultura de masas, lo "kitsch" (el término kitsch tiene origen alemán y se utilizó inicialmente para describir objetos feos).
A través de la fotografía, la repetición serigráfica de imágenes populares -ya fueran el accidente de tráfico o la botella de Coca-Cola-, la filmación y los escritos, registró, o más bien consumió, todo lo que le rodeaba. Para ello creó una auténtica empresa comercial, la famosa Factory, fruto de la idea de que el arte no es más que una industria y, por tanto, entra dentro de la lógica comercial[8].
En Inglaterra, el artista Richard Hamilton creó una obra revolucionaria: ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?
Ya se entiende mucho por el título: el artista representa una habitación que contiene una abigarrada combinación de símbolos populares, partiendo de medios de comunicación como un periódico y la televisión. Varios objetos imaginativos y sobredimensionados, como una pantalla de lámpara con el logotipo de Ford, y elementos que despiertan el misterio, como Marte, llaman la atención sobre el fenómeno ovni, que estaba de moda en aquellos años.
Sin embargo, lo primero que uno ve es a un culturista y a una pin-up representados como una mujer lámpara. Los dos iconos representan los tipos ideales de seres humanos de sus respectivos sexos, que a menudo aparecen en campañas publicitarias.
Así, las vanguardias de principios de siglo habían expresado la necesidad de libertad del individuo frente a una sociedad opresiva, algunos habían exaltado la guerra como posibilidad de redención, como punto de partida para el nacimiento de un nuevo orden social: tras la II Guerra Mundial hay un nuevo mundo hambriento de imágenes, que produce y consume como nunca antes se había hecho.
En conclusión, los artistas se plantearon cuestiones completamente distintas de las investigadas por sus colegas del pasado: se preguntaron cómo podían haber preservado el carácter exclusivo del arte y, sobre todo, cómo era posible crear una mezcla entre las necesidades artísticas y la sociedad de consumo: intentaron responder a ellas creando nuevos métodos artísticos como fotos, reelaboración de imágenes publicitarias, cómics, performances y, en algunos casos, incluso obras improvisadas por el artista ante los espectadores: fue el final de una era del arte que duró más de un milenio.
[1] Crane, D. (1987). The transformation of the avant-garde: The New York art world, 1940-1985. University of Chicago Press.
[2] Britannica, T. Editors of Encyclopaedia (2023, 3 de febrero). Marshall McLuhan. Encyclopedia Britannica. britannica.com/biography/Marshall-McLuhan
[3] McLuhan, M. (1963). La Galaxia Gutenberg. Toronto: Universidad de Toronto.
[4] Britannica, T. Editors of Encyclopaedia (2023, 1 de enero). Lawrence Alloway. Encyclopedia Britannica. britannica.com/biography/Lawrence-Alloway
[5] Gablik, S., Russell, J., Alloway, L., McHale, J., Rosenblum, R., Smith, R.,... & Bell, L. (1969). Pop art redefined. Frederick A. Praeger.
[6] Kunzle, D. (1984). Pop Art as Consumerist Realism. Studies in Visual Communication, 10(2), 16-33.
[7] Honnef, K., & Warhol, A. (2000). Andy Warhol, 1928-1987: commerce into art. Taschen.
[8] de Duve, T., & Krauss, R. (1989). Andy Warhol, or The Machine Perfected. October, 48, 3-14. doi.org/10.2307/778945
